リズム、ノリ、テンポルバート

一定のリズム

 

 ポピュラー音楽やJAZZの世界ではテンポ通りに弾くのは「ジャスト(イーブン)」だが、気持ちの良い音楽にはジャスト(イーブン)な拍ではなく一定のサイクルの中で音量やリズムの微妙なズレであるノリ、グルーヴ、揺れが入る。曲によっては前ノリ、後ノリと前後にずらすことがある。具体的には8分音符の裏、16分音符の裏で入るなどの奏法をとる。サンバの浮き浮きしたようなリズムはパルチードアウト(Partido Alto)」と呼ばれるリズムパターンだが、このリズムは頭の入りが16分休符となっている。

サンバパルチードアウトPartido Alto(wikimediaより)

「上を向いて歩こう」の出だし。

2小節目の3拍目など、2連の八分音符はスイングで3連音符として演奏するように指示されている。歌手の坂本九はこの曲をロック(当時のロカビリー)の8ビートで歌っている。なお、当時ロカビリーは不良の音楽といわれていた。

武藤理恵は「上を向いて歩こう」のスウィングを楽譜に表している。クラシックやマンドリンオリジナルを主に演奏してポピュラー系をあまり演奏しない人達にはわかりやすいのかも知れないが、楽譜は煩雑になる。

 楽譜ソフトのフィナーレのプレイバックにはバロック、古典様式、ロマン様式、ジャズ、ファンク、サンバ、普通のワルツ、ウィンナワルツなど多くのスタイルが用意されている。

テンポの揺れ
 クラシック音楽では安定したリズムの上にメロディーがテンポルバートすることもよく行われる。これらを表現することが音楽演奏として求められることである。これらテンポ、リズム、アゴーギク(緩急法)は基本的で重要な音楽表現上の技術の一つである。オーケストラでは速度の遅くなるところを”波線”で表現し、速くなるところは矢印に、溜めのあるところはダブルスラッシュ、指揮者を必ず見なければならないところは”眼鏡”や”目”の記号、他のパートに注意するところは耳のマークなど、一目で見て分かる記号を工夫して演奏に臨んでいる。

裏拍の重要性

 マンドリン演奏ではラテンやJ-POPなどリズミックな曲も演奏することが多いが、リズムに乗れない人がいる。リズムや拍子を考えたり、数えながら合わせようとすると、ほとんどがリズムに遅れる。リズムに乗るにはイチ、ニ、サン、シと表拍を数えるのではなく、裏拍を感じることが大切で、イチト、ニト、サント、シトのトを意識して頭の中でリズムを刻むのが基本。

 裏拍が取れないと、前のめりの演奏になってしまう。

ラテンの名曲「キャリオカ」の出だし

 日本と欧米のリズム感

 日本人(日本民族)は音楽にノリながら聴いている場合でも、リズムにはきちんと合わせ、祭り囃子の手拍子のノリに似ているといわれる。日本人はリズムを手足膝でとるが、欧米系の人は腰でリズムをとるようだ。特に黒人系と日本人では骨盤前傾と胸の厚みの違いがリズムの取り方に出る。これはJAZZや軽音楽ばかりでなく、いわゆるクラシック音楽でも同様といわれる。クラシック系の音楽やマンドリンオリジナル曲の上達を望むのであればバッハやモーツァルトを聞くことも重要だが、マンドリンアンサンブル・オーケストラでは一般的に幅広いジャンルの音楽を取り上げるため、ブラックミュージックやサンバミュージック、演歌や最近のポピュラー音楽も聞き、歌ったり踊ったりしてリズム感を養うことが必要だろう。
  クラシック音楽ではエルガーの「愛の挨拶」、ラフマニノフの「ヴォカリーズ」、フォーレの「夢の後に」などの良い演奏を聞いてみると参考になる。

 

楽譜に忠実な演奏

 マンドリン演奏でよく聞かれる演奏として、四分音符はどこまでも均等、強弱は書かれているfやpのところから急激に変わる。リトルダンドやアッチェル、クレッシェンド、ディミヌエンドなども単純で機械的、更には“タテ線”を揃えるのに熱心で伴奏とメロディーをきっちり揃えた演奏など“楽譜に忠実”なことが多い。これは聴いていると、とても退屈で不自然に聞こえるし、ましてノルことや感動することは出来ない。
 作曲者が楽譜に書いていないことは多く、全てを書くことなど不可能でもある。楽譜は音楽を表現する上での道案内、演劇での台本と思えばいい。演奏者や指揮者は作曲者がどのような音楽を表現したかったのかを類推して、自分たちの言葉として演奏し、聴衆に“音楽”を伝えるようにすることが大切である。

演歌と唱歌

 日本の歌謡曲は演歌系と唱歌系に大きく区分される。演歌は浄瑠璃の流れをくむ新内節、常磐津節、富本節、宮薗節などがベースと思わる。また三味線音楽の清元や長唄の流れをくむ小唄や、河内音頭など各地の民謡の流れもあり、時代とともに変化しているが、演歌系では楽譜には通常書かれない「こぶし」や「しゃくり」などがあり、喉をしめるような歌い方を、民謡では西洋の唱法のように喉をあけて大きく歌う。

 一方、唱歌は明治以後に西洋音楽が入ってきたのと同時にとりこまれた西洋的な発声法で、ドイツリートやベルカント唱法などを模範として、どちらかといえば音程を正確にとり、口を大きく開けて歌う唱法である。また演歌ではペンタトニック・スケール(5音音階)を基本としてハーモニーは考えないが、唱歌ではハーモニーも重要な要素となっている。J-POPやグループサウンズもこの系統と考えられる。マンドリン合奏では幅広いジャンルの曲を取り上げることが多いが、それぞれのジャンルの曲の特徴をつかみ表現することが大切だろう。

良い演奏と悪い演奏

 ギタリストで宇都宮大学マンドリンクラブ常任指揮者でもある西村洋さんの「音楽とギター」のコラムに「良い演奏と悪い演奏」というのがある。その中の悪い演奏の例は下記のようだという。

 

1;音が悪い。美しくない。
2;演奏に活気が無い。死んだようである。
3;技術上のミスが多い。音があいまい。
4;テンポが曲に合ってない。
5;リズムが重たい。聴いていて疲れる。
6;退屈で、眠たくなってしまう。
7;顔の表情がいや。体の動かし方が気になる。大げさ。
8;自己陶酔型で、伝わらない。
9;指のテクニックをひけらかすようで、嫌みな感じがする。
9;高慢な感じがあり、不快である。

 

この原因のひとつにリズムの重さがあるという。そうならないための注意点が下記。
 ・符点音符の次の音符は、弱め、短めにする。
 ・下拍、上拍の違いを認識する。
 ・シンコペーションは、アクセントが移動するだけでなく、上拍として演奏されること。
 ・スタッカートとアクセントは別のもの。混同しないこと。
 ・音が出し終わった後、指の力が抜けること。

 

更に、似て非なるもの、リズム編として
若々しいリズム・・・・・幼いリズム
重厚・・・・・・・・・・・・・重苦しい、息切れする
溌剌、軽やか・・・・・・軽薄
 心地いい・・・・・・・・・眠くなる、とらえどころが無い
興奮、情熱・・・・・・・・粗雑、乱暴

 

演奏に当たって参考になると思われます。